Attasit Pokpong

Attasit Pokpong est un artiste peintre thaïlandais spécialisé dans l’aquarelle et la peinture à l’huile. Adepte de la technique du Sfumato, ses portraits de fille et femme asiatiques aux contours flous, aux regards énigmatiques et aux lèvres pulpeuses fondent sa signature artistique. Ses toiles sont empreintes de douceur et de mystère qui accrochent indéniablement le regard du spectateur qui tente de décrypter les insaisissables pensées de ces femmes. Attasit est un des artistes contemporains les plus suivis et recherchés de la scène artistique asiatique et a déjà été présenté à plusieurs reprises à l’international (Shanghai, Londres, Paris, Hong-Kong, Melbourne, Miami…). Il suscite, aujourd’hui, un vif intérêt chez les collectionneurs de monde entier.

Charlotte Perriand

Charlotte Perriand (1903-1999) est une architecte et designer française. Après des études à l’École de l’Union Centrale des Arts Décoratifs de Paris, elle fonde sa propre société de design d’intérieur. Elle a notamment travaillé avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret à Paris dans les années 1920, en tant qu’associée en charge de l’équipement et du mobilier. Cette expérience lui permettra de renforcer sa technicité, son savoir et ses références et d’ainsi créer son propre style, marqué par une impulsion nouvelle et une sensibilité moderne au design. A noter que durant toute sa carrière, Charlotte Perriand a collaboré avec les plus grands. Elle a notamment rejoint la Galerie Steph Simon avec Jean Prouvé et collaboré avec Serge Mouille ou encore Francis Jourdain, Raymond Templier ou Eileen Gray.

Christian Charvet

Christian Charvet est né en 1951 à Saint-Etienne. Son grand-père peintre lui a communiqué son goût pour le dessin et la peinture, plus généralement pour les Arts. Entré à l’Ecole Polytechnique en 1971, outre l’enseignement scientifique qui lui permis d’approfondir son esprit de géométrie, il a pu pendant deux ans suivre les cours de dessin et de peinture avec Lucien Fontanarosa et Hervé Loillier. Il pratique la sculpture depuis son arrivé à Bruxelles en 2003 et a perfectionné son art des techniques dans plusieurs ateliers.

Depuis, spécialisé dans les sculptures de nus féminin, c’est avec respect et bienveillance qu’il représente la femme dans toute sa beauté, sa force mais aussi sa fragilité. c’est un bel hommage qu’il rend aux femmes dans chacune de ses créations. Grâce à sa maîtrise, Christian Charvet parvient à fusionner l’élan et l’harmonie, l’équilibre et le mouvement, la vigueur et la grâce, l’énergie et la sérénité. Le bronze lui permet de sublimer les intentions du dessin original qui ont pris vie dans la torsion du fer de l’armature et dans la souplesse de la terre. Ses sculptures frappent par leur capacité à rendre l’instant sans le figer. Déclinées avec soin, les patines en renforcent le caractère intemporel.

Gregos

Gregos est né en 1972 en banlieue parisienne, à Villiers Le Bel. Artiste de street art, il commence à réaliser des Tags et des Graffitis dans les années 1990. Puis, après un séjour de 2 ans en Grèce, il se met à la sculpture et au moulage. Il partira ensuite à Boston (USA), où il se mettra à la peinture acrylique et à l’huile. C’est en 2006 qu’il décide de revenir sur Paris pour se concentrer sur ce qu’il aime le plus : l’art de la rue. En regroupant toutes les techniques qu’il a appris jusqu’alors, il invente son propre concept 3D qui est une réplique à l’identique de son propre visage qu’il va peindre et coller dans tout Paris, puis dans d’autres villes du monde entier. C’est ainsi que nait la devise de l’artiste : “Comedia del Street art” !

Jacques Nestlé

Jacques Nestlé est né en 1907 à Sarrebruck, en 1925 il s’installe à Berlin où il sera influencé par l’école du Bauhaus et les artistes avant-gardistes de cette époque tels Kandinsky et Paul Klee. En 1933, il part en France et rejoint de nombreux artistes à Paris où la révolution de l’Art moderne était déjà en marche depuis le milieu du XIXe siècle. A Paris, Henri Matisse remarque ses œuvres, l’encourage et l’inspire durablement. Par la suite, le marchand et collectionneur d’art, Daniel-Henry Kahnweiler, souhaite le promouvoir comme il le fit avec Picasso, Braque, Derain ou Gris. Jacques Nestlé qui dit de lui qu’il n’est « ni un peintre, ni un artiste, simplement un homme qui peint », ne donna pas suite à la proposition de Kahnweiler.
Jacques Nestlé est le peintre des couleurs et des formes, en cela il s’inscrit dans la même ligne artistique que certains de ses contemporains comme Kandinsky, Mondrian ou Miró. Ses nus, parfois stylisés à l’extrême, où les formes féminines se font traits et contours colorés rappellent les courbes des nus de Matisse ou la composition anatomique propre aux nus cubistes de Picasso.

JAZZU

Jean Prouvé

Jean Prouvé (1901-1984), fils du célèbre peintre et sculpteur Victor Prouvé, est l’un des designers et architectes français les plus importants du XXe siècle, spécialisé dans la fabrication de meubles. Sa carrière aux multiples facettes s’étend sur plus de 60 ans, années durant lesquelles il a travaillé en tant qu’artisan, éditeur de meubles, architecte, designer, professeur et ingénieur. En 1931, il fonde les Ateliers Jean Prouvé où il produit ses propres dessins de mobilier en métal léger. Son domaine de prédilection est le secteur public (santé, éducation, administration). Dans les années 1930, il va notamment produire un catalogue de modèles standards pour les hôpitaux, écoles et bureaux. Puis dans la même logique, il créera des maisons préfabriquées pour réfugiés dans les années 1940.

Jean Royère

Jean Royère (1902-1981) est un décorateur français, spécialisé dans la création de meubles. Issu d’un milieu aisé, il a l’occasion de participer à de grands salons parisiens tels que Le Salon d’Automne ou le Salon des Artistes Décorateurs, ce qui va lui permettre d’acquérir une notoriété internationale. Son style est marqué par l’utilisation de matériaux variés, mélangeant bois et stratifié, ou encore bois et marqueterie de paille. Son mobilier est notamment réputé pour son design épuré et la réflexion accordée à l’ornement.

Laurent Dierick

Né à ETTERBEEK (Bruxelles, Belgique) en 1978, Laurent Dierick commence à peindre dès l’âge de 16 ans. Habité par de nombreuses références (Rauschenberg,Tapies, Kiefer, Cy Twombly, Jean-Michel Basquiat…),mais rétif à tout apprentissage magistral et dogmatique, c’est en autodidacte qu’il poursuit son travail pictural. Fasciné par la matière et doté d’une formation en restauration de tableaux, il explore les multiples possibilités des techniques mixtes : collages, sable, plâtre, colles, résines, vernis, huile, acrylique…

À partir de 2012,sa technique et son style prennent un tournant majeur. De ses œuvres,tout à la fois cruelles et poétiques comme l’enfance, se dégage une « inquiétante étrangeté », qui n’est pas sans rappeler les univers de David Lynch ou Francis Bacon. Derrière les couleurs vives et la spontanéité du trait se révèlent en filigrane les facettes sombres de l’humanité et du monde, l’humour se lie à l’horreur dans des contrastes saisissants, une distorsion se crée dans laquelle se glissent inquiétudes et cauchemars… mais tout à coup, un mot, un bout de phrase transparaissent, un double sens se dégage… et souvent le sourire réapparaît. C’est que le travail de l’artiste s’apparente à un palimpseste : il maroufle sur toile des affiches de cinéma, posters ou publicités, il gratte, triture, recouvre, vitriole même les icônes du monde contemporain et du star-system pour interroger et mettre en question nos valeurs et croyances.

Depuis 2014, ce travail de « recyclage » se poursuit avec des relectures d’œuvres peintes ou gravées de maîtres anciens du 15^eau 18^esiècle (Titien, Rembrandt, Delacroix, Ruini, Brueghel, Van Dyck, Goya…). S’inspirant librement, tantôt partiellement tantôt totalement d’œuvres célèbres, l’artiste nous en livre une vision personnelle, remodelant et empruntant les formes, détournant les symboles et les intentions.

Le Corbusier

Charles-Edouard Jeanneret plus connu sous le pseudonyme de Le Corbusier est un architecte, urbaniste, décorateur, peintre, sculpteur et homme de lettres suisse. Homme aux multiples talents, il a travaillé sur des projets à l’échelle mondiale.

Représentant du mouvement moderne, il y introduit de nouvelles idées comme le fonctionnalisme, le purisme et le lien entre nature et architecture.

Le Corbusier a également œuvré dans l’urbanisme et le design. Il est connu pour être l’inventeur de « l’unité d’habitation », concept sur lequel il a commencé à travailler dans les années 1920, expression d’une réflexion théorique sur le logement collectif. « L’unité d’habitation de grandeur conforme » (nom donné par Le Corbusier) ne sera construite qu’au moment de la reconstruction après la Seconde Guerre mondiale, en cinq exemplaires tous différents, à Marseille, Briey-en-Forêt, Rezé, Firminy et Berlin. Elle prendra valeur de solution aux problèmes de logements de l’après-guerre. Sa conception envisage dans un même bâtiment tous les équipements collectifs nécessaires à la vie — garderie, laverie, piscine, école, commerces, bibliothèque, lieux de rencontre. L’œuvre architecturale de Le Corbusier regroupant 17 sites (dont 10 en France, les autres étant répartis sur trois continents) est classée au patrimoine mondial de l’UNESCO le 17 juillet 2016.

Myriam Baudin

Myriam Baudin est une artiste francaise née en 1968. Elle étudie la publicité avant de suivre les cours des écoles Estienne et Duperré. Depuis sa première exposition personnelle à Paris en 2000, elle aiguise un langage “pop” teinté de surréalisme.
Renoncant au statut de simple spectateur de notre monde, Myriam Baudin s’érige en sentinelle subversive et propose une illustration esthétique des paradoxes humains. c’est ainsi qu’avec ironie et causticité, elle dénonce depuis 15 ans, les errements de l’individu asservi aux belles promesses vendues par les nouvelles technologies, les médias et la société de consommation.

Paul Simon

Paul Simon est né en 1892. Il baigne dès sa plus tendre enfance dans le milieu des Arts. Grâce aux amis artistes de ses parents, Paul Simon s’initie très tôt à différentes disciplines telles que la gravure, le dessin, la peinture, les arts décoratives mais surtout la sculpture. Á partir de 1929, il réalise des sculptures qui rencontrent un succès immédiat, des terres cuites, puis des bronzes d’animaux observés longuement et passionnément lors de ses visites au Jardin des Plantes. 1930-1950 C’est la période où Simon réalisera les œuvres animalières les plus accomplies. Tout un bestiaire passera par ses mains d’artistes dont la plupart se trouvait au Jardins des plantes. Éléphants, panthères, lions, rhinocéros, ânes, chameaux, singes, bisons… et toujours ses maternités animales délicates qu’il a su retranscrire avec beaucoup de tendresse.

Pierre Jeanneret

Pierre Jeanneret est un designer suisse, diplômé de l’école des beaux-arts de Genève. Il est le cousin et le plus proche collaborateur de Charles-Edouard Jeanneret, dit Le Corbusier.

Pierre Jeanneret fut très important dans tous les projets de son cousin, il dessinait souvent les premiers croquis de plans pour les retoucher ensuite graduellement et les affiner avec Le Corbusier. Par ailleurs, Pierre Jeanneret jouait un rôle important en assurant la continuité du bureau, la coordination et le contrôle des aspects techniques. C’était un réel designer technique et au professionnalisme incomparable.

Au début des années 1950, Pierre Jeanneret et Le Corbusier commencent le projet de la ville de Chandigarh, en Inde. C’est la construction complète d’une ville nouvelle qui s’annonce. Malgré l’extraordinaire et incomparable projet, Le Corbusier abandonne à mi-chemin, laissant ainsi Pierre Jeanneret au poste d’architecte en chef et concepteur du développement urbain. Le projet finalisé s’avère être un fabuleux succès puisque la ville de Chandigarh devient une reference de l’architecture moderne et une ville où il est agréable de vivre encore aujourd’hui. Pierre Jeanneret acquit ainsi son incontestable renommée internationale.

Siddhartha Kararwal

Siddhartha Kararwal est né en Inde en 1984, il est l’un des artistes montant de la scène artistique indienne. La pratique créative de Siddhartha Kararwal s’articule autour de l’utilisation de matériaux quotidiens et banals. Les sacs en plastique, les feuilles de mousse, les pétards, le carton, le bronze, le fer, le cuivre, la fibre, l’argile, le plâtre etc. L’artiste tente d’éveiller les consciences dans ses oeuvres en se questionnant sur l’héritage du passé dans un futur profondément apocalyptique où règne la passivité de l’Homme. Il aborde régulièrement des thèmes tels que la guerre, la pollution, la tortures des animaux, la soumission des peuples…